«Lo que el viento no se llevó»: un libro recomendable.

Ante creciente “cultura de la imagen” muchos educadores de nuestro tiempo utilizan películas, vídeos, internet, etc. para que su exposición resulte más amena y didáctica tanto a niños como a jóvenes. El autor comienza desarrollando un interesante concepto: el cine puede ser convertido en un poderoso vehículo transmisor de ideas y valores. Muchas escenas de películas tienen una enorme fuerza convincente y carga persuasiva ya que abordan temas relacionados con la ética, la antropología, la psicología, la superación personal…Incluso crea íconos, roles, modas y formas de comportamiento humano, individual y social (1).

Desde el punto de vista pedagógico, una buena selección de películas, puede contribuir influir positivamente en la construcción y el desarrollo de la personalidad humana. Por ello, añade el escritor que este libro puede resultar de provecho para los padres de familia, a profesores de escuela media superior, a orientadores familiares, a docentes universitarios.

Y la segunda parte de su texto, Cervantes Blengio, elije -a modo de ejemplo- veinte filmes de probada influencia positiva. Verbigracia: “Blanca como la nieve, roja como la sangre” (muestra el sentido del dolor y el sufrimiento unido al amor humano); “Los Coristas” (ante circunstancias en extremo difíciles, la persona humana puede vencer las adversidades y superarse): “La Experiencia Humana” (en la sociedad del confort y bienestar, muchas veces se olvidan los valores más importantes de la vida); “Hasta donde los pies me lleven” (un prisionero en Siberia recorre 15,000 kilómetros de dolorosas aventuras sin cuento, con tal de regresar al hogar y volver a reunirse con su esposa y sus hijos); “El Hombre de dos Reinos” (El Gran Canciller de Inglaterra, Sir Tomas Moro, opta por ser congruente con sus convicciones, hasta el extremo de permitir ser martirizado por la Verdad que defendía); “42” (biografía del beisbolista Jack Robinson, quien sufre de malos tratos y discriminación racial, pero gracias a su temple de acero y a su constancia, abre un histórico sendero, para que muchos más deportistas y atletas afroamericanos sean aceptados, hasta ese entonces, “en los deportes reservados sólo a los blancos”); “El Pequeño Nicolás” (un filme optimista que promueve los valores familiares), etc.

Sin duda se trata de un libro que plantea interesantes reflexiones sobre “El Séptimo Arte”; repara en su decisiva trascendencia en la sociedad actual y anima a los padres y educadores que lo empleen como una moderna herramienta didáctica. En suma, el cine debe ser redescubierto como un aliado de tremenda influencia para transmitir conceptos y valores.

(1) Cervantes Blengio, Carlos, Lo que el Viento No se Llevó. 20 películas que debes ver en familia, Editorial Minos III Milenio, México, 2016. 77 pp.

El Pop Art o el arte del conformismo, Roy Lichtenstein

Para mí hablar del Pop Art y toda la corriente que le siguió, es difícil, ya que no lo considero arte, me parece publicidad, una forma de llegar a una sociedad ignorante y consentida, que de repente y sin esfuerzo, podía entender el arte, o creía hacerlo, al ver los retratos de los artistas del momento, o héroes de comics etc., Los supermercados, tiendas y escaparates, mostraban toda clase de artefactos.

Lichctenstein banalizó con sus tiras y comics al igual que Warhol, lo que la palabra arte significaba. Resumiendo, el Pop Art fue una moda cuyo principal objetivo, era la aceptación y consumo de una sociedad sin grandes conocimientos, que no quería, ni sabía, que era eso del arte y para que servía. Esta tendencia existe todavía en nuestros días.

No hace falta esforzarse, no hay que estudiar y profundizar, tenemos que reconocer y poder comprar. El consumismo atrapó y sigue haciéndolo a una gran parte de la población del mundo.
En pocas palabras, todo se podía producir y repetir mecánicamente, ad infinitum. Arte del siglo XX. Editorial Océano.

Roy Lichtenstein nació en Nueva York en 1923. Se dedicó primero al diseño industrial, para luego estudiar artes en la Universidad de Ohio.

Lo que caracteriza a este personaje son sus viñetas salidas de los comics. Este pintor trata y consigue llevar al espectador a un mundo de ficción, envuelto en imágenes que no existen, pero con una carga de imaginación y fantasía digna de reconocimiento.

Difícil tratar de explicar un movimiento tan comercial, sin embargo el propio Lichtenstein decía:
“Desde que he elegido el tema que quiero pintar, dejo de interesarme por él…. Mientras trabajo, actúo como si realizase un cuadro abstracto. La mitad del tiempo, incluso pongo mis telas cabeza abajo mientras las estoy pintando”. Historia del Arte, Salvat Mexicana de Ediciones, S.A, de C.V.

Una vez más asómense a un mundo mucho más cercano y descubran eso que causó fuerte impacto en el siglo XX. Sin duda esta tendencia sigue en el siglo XXI.

El cinismo se convierte en arte

POP ART

Andy Warhol

Después del recorrido que hemos hecho por este difícil camino del arte, donde los maestros nos hicieron disfrutar un mundo incierto y difícil, pero lleno de sinceridad y búsqueda, pretendiendo que lo que ellos llamaban y consideraban arte, saliera de lo más profundo, innovador y sincero que tenía el ser humano, llegamos a un momento conformista y consumista, que es lo que realmente permea en las manifestaciones “artísticas” de esta etapa del siglo XX.

Preferencia por la reproducción técnica. Una sociedad que se adaptaba a estas novedosas circunstancias. Una época donde parece se extingue la llama que alumbró por siglos a la humanidad y adopta una forma de expresión artística, sin fundamento y vacía, donde lo único realmente importante era llegar a la gran masa y hacer que se adaptara a este nuevo concepto; el consumo. Sin duda uno de sus más grandes representantes es Andy Warhol.

“La idea de la belleza gratuita se redujo en Warhol, en la fría afirmación de que un artista es alguien que reproduce cosas que la gente no necesita, pero que él piensa por alguna razón que sería buena idea proporcionárselas. El marketing del arte se aceptó de forma incondicional. Yo empecé como artista comercial y quiero terminar cómo artista comercial…. y los buenos negocios son el mejor arte”. ARTE DEL SIGLO XX. EDITORIAL OCÉANO DE MEXICO,S.A.DE C.V.

Que diferencia tremenda, entre este “artista” y lo que personalmente considero arte. Los sentimientos, compromiso y valores que pretendo transmitan, no existían para él. Un personaje que a mí particularmente me parece banal y algo cínico, pero que se convierte en objeto de consumo de una clase pudiente y hueca, que lo único que admira es cómo hacerse publicidad y ganar dinero.

Quiero pensar que dentro de la superficialidad y decadencia que sin duda aporta este personaje, dedicado al escándalo, y a todo lo que causara impacto en sus seguidores del jet set, quizás existía un hombre temeroso, con muchos problemas que no se atrevía a afrontar y que decide sumarse, con gran inteligencia, a la sociedad frívola y conformista de esa época.

Reportero de la época, retratista de sociedad.

Los valores los sentimientos parecían no existir para Warhol. Registraba disturbios raciales, suicidios, accidentes de aviación, la bomba atómica y la silla eléctrica, con la misma y fría distancia, con la que registraba latas de sopa y revólveres. ARTE DEL SIGLO XX. PINTURA. Karl Ruhrberg.

El renacimiento del arte abstracto en París

SAM FRANCIS

El éxito alcanzado por el movimiento abstracto americano, llega a la que en su momento fue capital del arte, París, con un gran éxodo de pintores americanos, que tuvieron marcada influencia sobre artistas franceses y extranjeros. En esta época aparecen muy diversos e interesantes creadores. Dentro de esta corriente americano-parisiense, uno de los que más llamaron la atención por su originalidad y osadía fue sin duda, Sam Francis.

Se dice de este singular personaje, que en él se reunían personalidades, cómo Rothko, Matisse y Manet. No sabemos si esto es tan obvio, pero el caso es que así se consideró a este maestro.

Desde que llega a esta hermosa ciudad, este pintor, oriundo de California, asombra con sus extraordinarias telas en blanco o negro, pero salpicadas de hermosos, sugerentes y bellos colores.

Lograr equilibrio y poderlo transmitir, en una pintura difícil y llena de retos para su comprensión, fue y sigue siendo ardua, tarea para todo aquel que se interese en profundizar un poco, en este arte, al que podemos llamar todavía hoy, contemporáneo.

Hombre inquieto, con una trayectoria universitaria muy interesante, ya que estudió medicina, psicología y que también estuvo en la Fuerza Aérea.

Creo que un cuadro o escultura que no han tenido ningún objeto como modelo, son tan concretos o reales, cómo pueden serlo una hoja o una piedra. Arp. Historia del Arte Asuri de Ediciones, S.A.

Es después de una larga estancia en el hospital, que descubre a su gran amor, la pintura. Innovador y de gran inteligencia, recorre el mundo investigando otras culturas y formas de vida.

El action painting que ya mencionamos, causa gran influencia en considerable número de artistas. Sam Francis, fue uno de ellos.

Cómo hemos podido ver, cuando nace un personaje inquieto y osado, se atreve, investiga y nos abre caminos desconocidos. Gracias a ellos, muchos son los que se lanzan a una nueva aventura.

Con el expresionismo abstracto, Norteamérica devolvió a Europa el importe íntegro de la deuda que había contraído en los inicios de su despertar. La síntesis entre el automatismo surrealista de la escritura y el expresionismo del repertorio formal, han dado a los Estados Unidos su primer estilo pictórico y al mundo una capital de cultura visual. HISTORIA DEL ARTE. SALVAT MEXICANA DE EDICIONES, S.A. DE C.V.

La nueva capital del arte, Willem de Kooning

Esa forma de expresión tan informal, tan espontánea, llega a un momento donde el impulso, la audacia y confianza en la libertad de expresión, alcanza un nivel que se convierte en el faro del mundo artístico, quitando la primacía a parís. los ojos del mundo estaban en nueva york que hasta muy entrados los años setenta, seguía manteniendo su título de ciudad del arte.

Willem de kooning nació en Roterdam y aprendió pintura en su país y en Bélgica. su amor al arte era tal, que decidió emigrar a américa y probar fortuna. Después de una increíble odisea pues se convierte en marinero y luego en maquinista, para lograr su propósito, llega al nuevo continente.

Empieza siendo un pintor realista, pero poco a poco, el ambiente y dominio que adquiere, hace que se atreva a experimentar con el color y una forma muy personal de plasmarlo.

En realidad de Kooning siempre conservó el derecho de la decisión artística, y se resistió a ser etiquetado cómo expresionista abstracto, produciendo obras evidentemente figurativas, indiferente a la confusión que provocaron sus “mujeres” entre los expertos. arte del siglo xx. Editorial océano.

El mundo de koononing es sumamente emocional, eso quiere decir que al igual que sus antecesores, la idea y la espontaneidad, sucedían sin un propósito definido y él también se rendía al momento. Aunque los expertos dentro de toda esta “espontaneidad” veían un control y serenidad, no observado en Pollock.

Este singular artista recorrió un fantástico camino, entre la abstracción y la objetividad. Fuertemente influenciado por Auguste Rodin y Matisse, realiza una serie de obras escultóricas, fuertes y grotescas, inspiradas en los mencionados maestros. Se dice que la calidad y audacia de tales composiciones, es seguramente la más rica en la segunda mitad del siglo xx.

Atreverse a realmente profundizar en este tipo de expresión sé, no es fácil, pues requiere que aprendamos a mirar de otra manera, pero me atrevo a decir, que todavía es más importante sentir, aunque no entendamos. De eso finalmente trata el arte; dejarse emocionar. Abrir los ojos y el corazón a expresiones muy diferentes de entender y plasmar la vida, pero no por ello, menos interesantes.

Este holandés emigrado a los estados unidos, a los 22 años, ha desempeñado un papel demasiado conocido en el desarrollo del “action painting” para que no se le tome en consideración, aún cuando la figura humana – apariciones borrosas – y desnudos grotescos estén presentes en casi toda sus telas. “procedo del 36 de unión square donde la atmósfera es tan bella (era el taller de Gorky). el espacio que yo necesito para pintar, explicó un día, no es ciertamente el del hombre de ciencia. las estrellas de los físicos me sirven de botones para abotonar las cortinas del vacío.” Historia de la pintura. Asuri Ediciones, S.A.

Una vez más les invito a profundizar en el maravilloso y enriquecedor mundo del arte. Tenemos que aprender a mirar, a escuchar, a leer y dejar que estas sorprendentes manifestaciones, nos conmuevan y enseñen cómo podemos enriquecer nuestra vida, si nos abrimos a sentir.

#Arte Otra revolución, Mark Rothko

Este pintor influenciado sin duda, por la corriente abstraccionista busca un lenguaje personal y diferente. Rothko encuentra una forma de mostrar su insatisfacción con lo que había tomado tanta fuerza en América. Este artista es uno de los más importantes en la pintura norteamericana.

Profundamente espiritual, rechaza todo intelectualismo para la elaboración plástica. Un artista que se libera de signos y formas y hace una pintura llena de emoción. Grandes cuadros donde solamente encontramos uno o dos colores, a veces muy cálidos y a veces, fríos y obscuros, como en la famosa capilla para todas las religiones de Houston. Los cuadros cuya base es el negro, causan una fuerte impresión y emoción. Emanan una gran espiritualidad, que no deja indiferente a nadie que haya tenido la suerte de conocerla.

Las últimas obras que realizó antes de su muerte, para la capilla ecuménica de Houston, Texas exaltan esta culminación espiritual. La Rothko Chapel, en el marco del Texas Institute of Religion and Human Development, fue inaugurada el 27 de febrero de 1971. Salvat Historia del Arte.

Rothko, con otros pintores simpatizantes de estas corrientes logra un verdadero prodigio al hacer que Norteamérica se familiarice con el misticismo, la naturaleza y sobre todo, con esas ansias de profundizar y tratar de mostrar lo que no podemos decir con palabras o sonidos. Resumiendo una actitud original y profunda de interpretar el arte y su relación con la vida.

Este tipo de artistas hacen que nos enfrentemos a nosotros mismos, que investiguemos y descubramos cual es el medio de expresión sincero, que aparece en nuestro horizonte, para tratar de mostrar nuestras flaquezas, miedos y aspiraciones. Parece fácil, pero siempre es un camino lleno de escollos y temores.

La lección es, siempre ser honestos, no importa si nos entienden o no, tenemos como Rothko, que atrevernos a mostrar nuestros sueños por más disparatados de parezcan.

Los seres humanos deben aprender a trascender la realidad. Deben crear un vehículo espiritual con el cual puedan llegar a un punto de vista completamente diferente. Ruhberg. Arte del siglo XX

Nueva York capital del arte, Jackson Pollock. #Pintor

Cómo vimos en los anteriores artículos, esta ciudad se convierte en la capital del arte, dejando en esos momentos atrás a París. Los ojos del mundo estaban puestos en esta gran urbe. El panorama artístico cambia de continente, ya que la corriente vanguardista e innovadora, se encontraba ahí.

Los pintores abstractos comparten la necesidad de expresarse, cada vez más, a través de la espontaneidad y soltura, sólo así sus vidas cobraban sentido, al atreverse a mostrar sus sentimientos y miedos al enfrentarse a la tela.

En este momento aparece otro pintor Jackson Pollock, el famoso creador de lo que se denominó, action painting.

La pincelada espontánea e inmediata. La pintura chorreada sobre el papel o tela, nos dan idea de lo que es este tipo de arte gestual. Esto quiere decir que el momento por el que pasa el creador, se plasma sin meditación, sin intención previa, por eso se le llama gestual, responde a un gesto y a un particular estado de ánimo, a veces difícil de entender. Pero volviendo al principio, no se trata de entender, se trata de sentir, de dejarse conmover por los colores, espontaneidad, movimiento, etc.

El artista moderno vive en una era mecánica y tenemos medios mecánicos para representar objetos al natural cómo la cámara y la fotografía. El artista moderno trabaja con tiempo y espacio y expresa sus sentimientos en vez de ilustrarlos. Jackson Pollock.

Un pintor difícil, neurótico que llega según la opinión de muchos críticos a una subjetividad desenfrenada. Su forma de pintar es una manera de plasmar sus miedos y neurosis. Una desesperada búsqueda de sí mismo, que finalmente lo condujo al alcohol y prematura muerte.

En su afán de encontrar un lenguaje original, pero que mostrara su más íntima naturaleza, llegó a un método, verdaderamente arriesgado, extendió una tela en el suelo y empezó a gotear sobre ella el pincel, o directamente desde una lata. Había nacido el dripping goteo, que le permitía una rápida intervención, donde sólo estaba el momento, sin ninguna otra influencia.

Con una inmensa concentración, una precisa observación de los regueros de pintura y una serie de decisiones rápidas, surgió la red de pintura, que se convertiría en la marca de fábrica de Pollock. Muchos cuadros eran realizados en una especie de trance. Océano. Arte del siglo XX.

EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Wassily Kandinsky y su forma particular de ver y plasmar el arte, cómo ya hemos visto, causa en su época una verdadera, conmoción, la pintura abstracta. El Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1951, organiza una exposición a la que llama, “abstract painting”, inspirada en el concepto del iniciador de este movimiento, y haciendo referencia al choque que indudablemente esto provocaría. De esta manera Norteamérica se libera de su estatismo, y se convierte en un verdadero faro para las nuevas manifestaciones artísticas.

El llamar así a este nuevo tipo de pintura, tardó otros 20 años en volverse a utilizar y finalmente, fue el nombre que se le dio a todo lo que no fuera figurativo o geométrico.

Es un momento de suma importancia para la pintura americana, que alcanza un extraordinario nivel, con un lenguaje nada convencional, que invade y enriquece este tipo de expresión en el mundo entero. La libertad en su más amplia acepción, en casi todas las formas de arte. Es el momento en que este país, se incorpora y sobresale en esta modalidad. Esto es de suma importancia, pues le da un nuevo rostro a este movimiento, que se desarrolla básicamente en Nueva York. Ahí nace el famoso “action painting“, que coincide con la abstracción lírica que en esos momentos conmocionaba a París.

Los Estados Unidos estaban considerados en el terreno artístico, retrasado y provinciano; no se había integrado a las nuevas corrientes que sorprendían al mundo, pero cuando se celebra la exposición que mencionamos al principio, se libera de todo atavismo y se convierte en un verdadero faro para las nuevas corrientes.

Marcel Duchamp, Picabia, Man Ray y muchos otros provocan un verdadero escándalo y agitación en el medio. Esto hace que se inicie una nueva forma de sentir e interpretar el arte que no sólo enriquece a América, sino que se abre a la vanguardia europea con sus osadas manifestaciones.

Aparece un famoso grupo American Abstracts Artists. En Francia se llamaba Abstraction-Creation. Posteriormente aparecen nombres como Rothko, Still, Motherwell, Wilhem de Kooning, Franz Kline y uno muy especial que es el que inicia el movimiento del “action painting” Jackson Pollock.

La segunda consecuencia de este despertar neoyorkino consistirá en perpetuar en Norteamérica cierta disponibilidad ante las manifestaciones más extremistas de la vanguardia europea, y especialmente hacia el surrealismo, heredero de Dadà. “Pierre Restany”. Expresionismo abstracto. Salvat Historia del Arte.”

El arte moderno se convierte en asunto popular. Todo el mundo participaba, entendía, o por lo menos eso creían. Los museos galerías y locales donde se exponía arte, gozaron de gran popularidad. Conocedores y el pueblo en general visitaba, comentaba y compraba este nuevo tipo de expresión.

Ahora que América ha empezado a mirar de nuevo hacia Europa, la “transvanguardia” germano italiana ha tenido un éxito espectacular en Nueva York y Londres. Fricke. Arte del siglo XX

JOAN MIRÓ, UN MOVIMIENTO QUE DEJÓ HUELLA

Joan Míró pintor catalán, que cómo Dalí y Magritte se siente atraído por esa forma nueva e interesante, de mostrar anhelos, esperanzas y fracasos.

André Bretón quien creó el famoso manifiesto del Surrealismo, dice que la imaginación y los sueños, son los que hacen que el mundo cambie, lo que nos puede llevar a descubrir el universo desconocido que todos llevamos dentro.” No se puede reducir la imaginación a la esclavitud.” Así concebía este movimiento, que tuvo muchísimo adeptos y varios de ellos famosos; en su momento fue un éxito, así como una gran revolución.

Los primero paisajes y pinturas que vemos de Miró, son alrededor de 1920, nos muestran a un pintor de primera, con una extraordinaria capacidad de captar la realidad. Una visión fresca y espontánea, que con el paso del tiempo se transformó en lo que ya todos conocemos, pero que sigue conservando esa frescura, y espontaneidad que lo caracterizan.

Este pintor según los críticos logra una obra pura y diferente de sus contemporáneos, que dicen estuvo influenciada por el surrealismo, pero que se aparta de esta corriente. Algunos lo califican como artista ingenuo, creador de un universo lleno de signos de alegría y podríamos decir de sencillez. Cuentos un poco grotescos, llenos de extrañas figuras, pintados en colores fuertes y alegres, lo que le hace extraordinario y audaz, en esa época. Esa es la magia y misterio que sentimos al contemplar sus obras.

Miró sin proponérselo quizá, se adentra en el abstraccionismo. Una abstracción fantástica en el sentido más literal de la palabra. El círculo su forma favorita, obtuvo un lugar predominante, tanto en forma pura, como irregular. Arte delo siglo XX. Fricke.

A diferencia de los pintores surrealistas la imaginería de Miró se nutre de formas fantásticas, que no son reconocibles; nos parecen dibujos de niños, dada la sencillez aparente de sus obras, pero no es fácil reconocer el mundo mágico al cual sólo él tiene acceso, además de valor, para mostrar una cara de la pintura totalmente desconocida en esos momentos.

Cómo ya comenté, esta forma tan libre de trabajar, contiene una fantasía y espontaneidad que nos transporta a un mundo de sueños, lleno e imágenes sin aparente sentido, pero llenas de poesía y libertad. Un mundo personal y diferente que nos ofrece otra forma de acercarnos al arte.

O sea, que no hay límites para la expresión. Cuando creemos que se ha dicho todo, que no hay caminos que explorar, aparecen artistas, músicos, escritores, etc., que nos enseñan que en la vida hay que soñar, hay que atreverse a recorrer ese camino, único personal, que es el nuestro y esta aventura puede redundar en beneficio de todos, al mostrarnos lo que el ser humano es capaz de hacer, cuando salta los atavismos que todos llevamos y a veces nos impiden, descubrir esos senderos únicos y mágicos que son los nuestros.

Hagamos ése viaje, que nos llevará sin duda a la libertad y encuentro con nosotros mismos.

Cuando se contemplan hoy los cuadros pintados por Miró en los años 1924-1930, se siente el color como captado en su mismo nacimiento, un color amplio y ligero, donde se inscriben decantados hasta la pureza primordial, los signos de una magia de encantamiento, acompañando y dando ritmo a la más inesperada de las fiestas espirituales. Salvat Historia del Arte

René Magritte, la pintura surrealista en el siglo XX

RENÉ MAGRITTE

LA PINTURA SURREALISTA EN EL SIGLO XX

LAS POSIBILIDADES DE LA IMAGINACIÓN

Estos pintores-inventores que sobresalieron en el convulso siglo XX, tenían que llamar la atención, querían provocar, ser originales a toda costa; no les interesaba la maestría que hemos admirado en artistas del pasado, querían construir un futuro muy diferente y audaz. Desde luego lo lograron por un corto período, ya que muchos pintores y escritores de esa época se sumaron a este movimiento.

René Magritte pintor belga (1898-1967) influenciado por todas estas manifestaciones, que trataban de romper con los antiguos hábitos pictóricos y que según opiniones muy discutibles, estaban aprisionados por el virtuosismo, se sumó a ellas. Una nueva visión aparecía, una forma diferente de enfrentar el arte y la vida, y él, entusiasmado siguió esta corriente.

Cuando nos acercamos a la obra de este artista nos encontramos con una pintura meticulosa, bien hecha pero con títulos que nos desconciertan: uno de esos títulos Intentando lo imposible, podría servir para este pequeño esbozo.

Este singular pintor trata y según el mismo dice, “quiero crear algo más real, que la propia realidad”.

Cómo ya comenté en el artículo sobre Dalí, la influencia de S. Freud, tuvo un tremendo impacto en el mundo intelectual.

Cuando los pensamientos que caracterizan el estado de vigilia se adormecen, el niño y el salvaje que vive en nosotros, se hacen con el control. E.Gombrich. Historia del Arte

Estas ideas fueron las que les llevaron a decidir que el arte nunca se podrá producir por un pensamiento consciente. Sin embargo según menciona Gombrich en su maravillosa historia del arte: Ni siquiera esta teoría era tan nueva. Los antiguos hablaron de la poesía cómo de una “divina locura”.

En fin, todos los pintores que siguieron esta corriente, se obsesionaron con este planteamiento; estados anímicos que dejan surgir lo más profundo de nuestro espíritu.

Yo la verdad no comparto cien por ciento esta teoría, además de que sinceramente, tampoco creo sean las ideas de S.Freud, sin embargo, se logra un momento extraordinario, digo momento porque en la historia, éstos son sólo eso, momentos. Pero el dedicarse a pintar sueños, también merece admiración y respeto.

Como pueden ver, el arte a través del breve recorrido que estamos haciendo, ha sido el motor indispensable, que hizo saltar muros y problemas y permitió al artista una voz propia, para expresar sus sentimientos.

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